Begüm Yildirim es una de esas artistas que no te puedes quitar de la cabeza. Su planteamiento es tan profundo, su manufactura tan bella y ella tan sensible, que nos hemos quedado prendados del fondo y forma de su trabajo.
Begüm (Turquía, 1982) estudió Administración de Empresas pero pronto tuvo claro que ese no era su camino así que, como hacen los valientes, se puso a perseguirlo. Estudió diseño de moda y de accesorios, trabajó en la industria durante varios años y participó, con éxito, en diversos concursos de diseño. Recientemente, se ha graduado con el Máster en Fashion Artefacts por la London College of Fashion con su colección, “Dictated”, una suerte de pulseras, bolsos y diversas piezas hechas de cristal, piel y metal.
Con ella, la moda cobra el significado maestro que defendemos: como vehículo para representar una idea, un conflicto interior y un mensaje, crear conciencia y cambiar el mundo.
En So Catchy! Where Fashion Begins hemos estado con ella y nos ha contado cosas muy interesantes sobre su trabajo y sobre el futuro de una industria, la moda, con un poder sociológico inmenso y que no cesa en su continuo cambio.
SO CATCHY!: ¿Cuándo y por qué decidiste cambiar tu camino y estudiar moda?
BEGÜM YILDIRIM: Esto puede sonar un poco a cliché pero la verdad es que me ha interesado desde pequeña: la alegría, el color… Justo después de mi graduación en la Universidad, me di cuenta que quería cambiar mi vida y regresar a mi sueño de ser diseñadora. Me interesaba más el poder de la ropa en el establecimiento de la identidad y la poderosa relación entre las prendas, el cuerpo y la identidad. Vestirse es, en esencia, una experiencia física muy simple, basada en elecciones de compra pero, al final, las personas se comunican a través de la ropa y los mensajes identitarios que éstas otorgan son una herramienta poderosa de comunicación social. El proceso de diseño creativo me apasiona. Siempre me han interesado las telas, los materiales y los colores.
SC!: Y, concretamente, ¿por qué Fashion Artefacts?
BY: Como diseñadora siempre he buscado asentarme en la delgada línea entre el diseño y el arte. La primera vez que me encontré, en la London College of Fashion, con el Máster de Fashion Artefacts me impresionó el trabajo que vi de los alumnos y alumnas. Era un programa independiente y multidisciplinar con una perspectiva amplia que desafía los límites de la creatividad y la innovación, acompañado por un buen hacer exquisito.
Los trabajos que salen de la London College of Fashion siempre ofrecen una nueva perspectiva, diciendo algo nuevo y con un sentido estético sofisticado. La referencia conceptual está bien equilibrada con un lenguaje de diseño único, materiales innovadores y metodologías de producción. Con el tiempo, fui consciente de que mi interés y compromiso estaban más orientados a los objetos que a las prendas. La filosofía del curso y el contenido del diseño de objetos bajo esa perspectiva llamaron mucho mi atención. La unión entre artefactos de moda y el ser humano posee tanta expresividad… He comprobado que puedo expresarme mucho major a través de los artefactos de moda. ¡Este curso ha sido mi sueño de tantos años!
SC!: Todavía hay gente a la que no le queda claro qué es un Fashion Artefact… Al estar tan vinculado con el arte y el mundo de lo conceptual, cada creador tiene su propia definición, ¿nos das la tuya?
BY: El significado de “artefact” es “un objeto hecho por un ser humano”. Esa definición dice mucho sobre lo que es un fashion artefact ya que el término, por sí mismo, es muy expresivo. Para mí, un fashion artefact viene a ser un puente entre arte y diseño, integrando los actuales métodos de producción, tecnologías y todo un “know-how” (saber cómo) con habilidades artesanales y de lo hecho a mano, en un contexto de moda contemporáneo. Recuerdo que mi profesor, Dai Rees, había definido el curso como la plataforma en la que podemos investigar y averiguar nuestra propia definición de lo que es un fashion artefact. Mi experiencia vital fue un viaje hasta conseguir mi respuesta. Además de todo lo relacionado con la técnica, ha sido un viaje profundo hasta mí misma y mi identidad. Ha sido un reto, lleno de significado y un viaje importante para mí.
SC!: Tu inspiración, por la definición que nos has dado, parece que bebe de la complejidad humana… más que de otra faceta o área de la cultura…
BY: Mi inspiración viene de la psicología y naturaleza humana y, al final, siempre encuentro “algo, una pieza de cualquier lugar, yo misma”. Me he convertido en una persona muy emocional. Empiezo pensando y buscándome a mí misma en una especie de mapa metal, saltando de una cosa a otra, perdida en un lío de pensamientos y emociones. Soy la creadora de este “lío” de mis propios pensamientos y siempre es caótico. Entonces, desde ese caos, intento tener un orden, simplificar, ordenar y materializar todas estas experiencias abstractas. Y durante este trance, la música es mi musa. Podría escuchar la misma canción, cien veces, una y otra vez…
SC!: Háblanos de Dictated. Dices que este proyecto se basa en una experiencia personal de dos operaciones reconstructivas de tu mandíbula a la que te sometiste. ¿Cómo llegaste a la idea de querer hacer un proyecto partiendo de esta experiencia?
BY: Me he operado varias veces de la mandíbula y llevo siete años de tratamientos de ortodoncia. El proceso ha llevado mucho tiempo, ha sido doloroso físicamente y ha sido un reto psicológico. Fue ahí cuando, estando casi al final del tratamiento, comencé a preguntarme por todo el proceso por el que había pasado. Quise trabajar en este concepto, investigar y profundizar en él. Iba a ser el viaje hacia el diseño más sincero e interactivo, hacia la profundidad de mí misma. Cualquier cosa que diseñas tiene algo de ti misma y pienso que se puede expresar, aclamar y defender mucho mejor si lo has experimientado en primera persona. Mi experiencia personal, fue tan intensa e importante, que pude reflejarla a través de mi proyecto.
SC!: Has usado materiales como el cristal, la piel y el metal. ¿Cuál ha sido el principal reto de trabajar con tales materiales?
BY: El cristal por sí mismo como material, y por la forma en la que lo he trabajado, ha supuesto un gran reto. Intenté diseñar productos de cristal “performativos”, unidos al cuerpo, integrando funcionalidad y disfunción, junto con productos y abstracción como esculturas vivas, al mismo tiempo. Quise mantener e integrar las partes del cuerpo, las venas, las arrugas, detalles de la piel, al tiempo que el cuerpo se estabiliza en una determinada pose.
Las partes del cristal, ya que fueron la base viva de cada objeto, especialmente las hechas con aire caliente, eran tan frágiles que el trabajo de la pieza con la piel y las partes metálicas y su ensamble, fue bastante dificultoso.
Diseñé las piezas de cristal siguiendo el principio de las prótesis, que es un reto también. El cristal debía de ajustarse al cuerpo y cada material, piel y metal, debían de fijase al cristal. Para ser sincera, tuve pesadillas pero colaboré con gente estupenda, grandes profesionales que me ayudaron mucho a producer las piezas.
SC!: Y, ¿cuál es el mensaje que nos has querido transmitir?
BY: Mi colección “Dictated” tiene la intención de crear conciencia sobre las normas establecidas de belleza, esas que dictan y manipulan la propia percepción del cuerpo y motivar a la audiencia a preguntarse por su percepción de los propios cuerpos y sus actitudes en torno a ellos.
SC!: En la explicación de tu proyecto, te preguntas: ¿Podrían los artefactos guiar a la audiencia a preguntarse, analizar y juzgar la importancia del cuerpo a través de la comparación de su condición, cuando el objeto va unido al cuerpo y cuando no es así?… Cuéntanos más sobre el origen de esta pregunta.
BY: Durante mi máster, investigué sobre cirugía estética y las operaciones a las que se someten algunas mujeres. Me encontré con una lista que me impresionó seriamente. Aparte de todas esas intervenciones, me di cuenta que todos experimentamos algo similar cada día de nuestra vida. Tenemos tacones altos, vaqueros ajustados, ropa incómoda y accesorios que hacen daño y dañan nuestro cuerpo. Adoptamos gestos y formas para adaptarnos a estos objetos. Me interesó entonces el instinto, la forma en que seleccionamos el objeto para que adorne nuestro cuerpo, la relación íntima que establecemos entre el objeto y nuestro cuerpo e identidad. ¿Somos nosotros los que intentamos adaptarnos a todos esos objetos para ser más bellos o es nuestro cuerpo el que le da la forma a esos objetos? Era un flujo cíclico entre el cuerpo y el objeto. La forma de un zapato o una pulsera está basada en nuestras partes del cuerpo pero nosotros ordenamos a nuestras partes del cuerpo a que se adapten a ellos y aceptamos el sufrimiento. Interpreto esa correlación cíclica como una autoridad contra la que luchar. Desarrollando productos convencionales, unidos a un cuerpo específico, mi propio cuerpo, he intentado materializar este concepto. He querido apreciar la conciencia del propio cuerpo, tal y como es. He intentado crear la silueta de las partes del cuerpo implicadas cuando el producto no se lleva puesto. He buscado guiar a la audiencia para que sea consciente y juzque la importancia de que cada cuerpo es único. ¿Qué pasaría si los productos fueran sólo productos sin esas poderosas referencias sobre el cuerpo? He intentado preguntarme por nuestro más profundo instinto y el motivo por el que llevamos un producto. ¿Es de verdad una conexión personal la que establecemos a trevés de nuestra propia identidad o la identidad nos es dictada, la identidad “impuesta” por un “ideal”? Quiero criticar esto a través de mi trabajo a través de la poderosa unión entre producto y el cuerpo al que va unido.
SC!: También dices…”¿Qué pasaría si el cuerpo rechaza las intervenciones que pretenden “prefeccionar” el cuerpo, como la cirugía plastica y, por el contrario, mantiene la autenticidad de su identidad contra todo ese mundo estándar impuesto?”…
BY: De hecho, esta cuestión es lanzada al portador del objeto y permanecerá sin responder, precisamente, porque quiero criticar esto. Tengo mi propia respuesta basada en mi experiencia. Tras la primera cirugía maxilo-facial tuve muchas complicaciones porque mi propio cuerpo rechazó el tratamiento, y el resultado sólo fue exitoso al 40%. Estaba tratando de cambiar una parte de mi cuerpo, quería idealizarlo. Durante mi investigación, he visto los esfuerzos de muchas mujeres para idealizarse a ellas mismas basándose en imágenes de otras mujeres.
Soñé con un mundo donde todas mujeres eran perfectas, pareciéndose mucho las unas a las otras. La autenticidad que cada uno posee se debe a sus complicaciones y gracias a sus complicaciones. Asumí las complicaciones como un rechazo a la anatomía, la resistencia a aceptar el propio cuerpo, a mantenernos únicos, especiales, diferentes…
SC!: ¿Cuál es la major parte y la peor de tu trabajo?
BY: Lo que intento hacer es estar a cargo del proceso creativo y las prácticas productivas, que es, para mí, lo mejor. Me gusta mucho esta fase abstracta, imaginando, pensando y contemplando. Entonces, todas esas ideas en tu cabeza se convierten en realidad. Algunas veces, la fase de producción puede ser dolorosa, pero merece la pena al final. La fase experimental tiene más potencial de encontrarte a ti mismo, en todo tu ser, por accidente… y es increíble. El sentirse “atascado”, animarte a ti mismo, luchar contra ti mismo, la confrontación contigo mismo… Para mí, casi todo el tiempo, la confrontación la tienes contigo mismo. La expectación y el deseo para crear algo es realmente intenso y doloroso. Tengo otra parte que podría ser “fea”: que tu libertad creativa sufra alguna restricción, sea dirigida, impuesta o manipulada.
SC!: La moda necesita…
BY: El poder de la moda en la psicología humana en relación a la percepción de la imagen corporal y la construcción de la identidad social es extrema. Hay debates actuales y estudios en relación a esto pero quiero aportar mi visión en esto también: la moda necesita fortalecimiento y aceptación de la propia identidad y la apreciación de la individualidad de cada uno a través de estrategias de comunicación de moda sensatas.
Debería haber más concienciación sobre el riesgo de complicaciones sociológicas tales como la destrucción de la propia identidad y la percepción del cuerpo causada por el efecto de los mensajes actuales del mundo de la moda.
Es una industria gigante y parece estar necesitada de más susceptibilidad, conciencia y responsabilidad por su entorno, más preocupada por la moda sostenible, las condiciones de trabajo y los derechos intelectuales.
SC!: No te quitas….
BY: Sneakers!
SC!: ¿Qué vas a hacer ahora que has terminado tus estudios?
BY: Pues seguir con lo que he empezado durante mi proyecto de Máster y profundizar en mi investigación y la metodología de producción.
SC!: Y, ¿qué te gustaría hacer en un futuro cercano?
BY: Acabo de terminar mi colección de graduación y estoy abierta a oportunidades: trabajos, encargos, colaboraciones… Ojalá pueda hacer realidad mi propia línea en el futuro. Me gustaría ir más allá con mis estudios de postgrado, un doctorado, por ejemplo. Hay muchas cosas que me encantaría hacer.
SC!: ¿Cuál es el futuro de la moda, según tú la ves y la sientes?
BY: La industria de moda es muy exigente, competitiva y difícil y, cada vez, se convierte en más “violenta”. La creatividad no tiene límites pero la expectación, el balance oferta-demanda están cambiando y los recursos se agotan. La moda tiene el potencial, el poder y la habilidad de re-conceptualizar, restablecer y reponerse así misma una y otra vez. Bajo mi punto de vista (y ojalá que sea así), la nueva era será la era de la simplificación, la diferenciación (apreciación de lo único, la aceptación de la propia identidad y el diseño personalizado), más preocupación por la selección y el consumo responsable. Veo la interactividad como un motivo dominante y el deseo de que el “yo” tenga un rol un poco más activo. La moda interactuará con el consumidor de una forma más cercana para resolver esta demanda que está por llegar. La moda podría transformarse y llegar a ser una plataforma de presentación de la individualidad y las identidades en un entorno de comunicación más interactivo.
CRÉDITOS:
Header y primera serie:
Fotógrafo: Ozan Kıymaç
Asistente Fotografía: Altug Poşul
MUA y Pelo: Samet Kılcı
Modelo: Rachel L. (NewModels Management Agency)
Estudio: Look34 Istanbul
Segunda serie:
Fotografía y Dirección de Arte: Kati Turkina Faso
MUA: Porsche Poon
Pelo: Louis Souvestre
Modelo: Olga
Traducido por Anabel Cuervas
Layout por Michael Padilla
