Hablar del trabajo de la holandesa Anne Fleur van der Vloed es sumergirnos en un mundo de belleza y de dolor.
A la corta edad de seis años disfrutaba dibujando figurines de moda y ayudando a su abuela a vestirse y conjuntarse. Fue ahí donde aprendió que la moda puede ayudar a las personas a sentirse mejor.
Después del bachillerato, estudió en la Willem de Kooning Academy de Rotterdam, estudios que completó con el Máster en Fashion Artefacts de la London College of Fashion, gracias a una beca concedida en su país natal así como el premio Procter & Gamble Better Lives Award (que ganó durante su máster).
El mundo de Anne Fleur es un mundo que baila en a delicada e interesante frontera entre la moda y el arte, donde la belleza y lo conceptual caminan juntos en armonía.
Su trabajo “Bodily” es pura autobiografía y nos ha fascinado. Anne Fleur nos ha concedido una entrevista muy interesante donde el equipo de So Catchy! Where Fashion Begins ha aprendido un poco más sobre el fascinante mundo de los fashion artefacts.
SO CATCHY!: Muchas personas pueden sentirse confundidas por el uso de la palabra “moda” asociada a tu trabajo. ¿Cómo se lo explicarías?
Anne Fleur van der Vloed: Lo que descubrí durante mi licenciatura no está limitado a una prenda “ponible”, sino a una herramienta de comunicación.
No todo el mundo desea o es capaz de comunicarse por medio de prendas pero creo que todo el mundo puede comunicar con el cuerpo, incluso aunque sea de un modo abstracto, como mi colección actual.
SC!: ¿Por qué decidiste centrarte en los “fashion artefacts”? Este mundo de los artefactos es muy amplio y parece que cualquier cosa pudiera encajar bien en su descripción.
AF: Para mí, esa es la belleza de los fashion artefacts. Para ser capaz de crear fashion artefacts tienes que tener la mente muy abierta y estar muy al día de todo, desde política hasta tecnología aplicada a la moda, desde cultura a procesos manuales.
Para algunas personas podría parecer que es mucho lo que tienen que aprender e interiorizar pero, personalmente, trabajo mejor cuando no tengo limitaciones y donde puedo retarme a mi misma a crear vistas intangibles del mundo visible en mi trabajo.
Creo que la diferencia con otras disciplinas, y también con la moda, es la investigación y el desarrollo que va unido al proceso artesanal creado para desarrollar los trabajos. Tienes que ser muy disciplinado para aprender ciertas habilidades en un período corto de tiempo pero también experimentar cómo desarrollar tus propias habilidades y combinarlas.
SC!: ¿Cómo describirías tu proceso creativo?
AF: Me gusta estar informada sobre todo lo que ocurre en el mundo sobre un gran rango de tópicos. Todo lo que hago, lo hago por intuición que, para mí, es lo más importante. Sin embargo, siempre intento tener la mente abierta en relación a los pensamientos de otras personas cuando se discute sobre mi trabajo.
Tras tener ese “feeling” sobre una idea, visualizo colores, materiales y formas en mi cabeza. Entonces, comienzo a dibujar y a encontrar materiales (baratos) para crear las formas. De esta forma, mis diseños van más allá de mi imaginación porque trabajo mucho más espontáneamente y puedo sentir los materiales. De esta forma, mis diseños van más allá de mi imaginación porque trabajo mucho más espontáneamente y puedo sentir los materiales.
SC!: Hablemos ahora sobre tu colección final y sobre tu dolor crónico que hace de tu trabajo un trabajo autobiográfico.
AF: Mi colección final es mi primer trabajo autobiográfico y se llama “Bodily” (“Corporal”). Viví con un dolor crónico en mi cuello y espalda durante muchos años y nadie ha descubierto aún el por qué de este dolor. Sólo puedo hacer que mejore con ejercicio, escuchando mi cuerpo y acudiendo al fisioterapeuta.
Cuando empecé mi máster, estaba un poco desequilibrada porque estaba en un país diferente e hice mucho trabajo físico. El dolor, entonces, comenzó a tomar el control de mi vida. Para tomar yo el control de nuevo, empecé a investigar la vida de otras personas que viven con dolor crónico y a menudo sienten que el color las domina y pierden la esperanza. Sentí que necesitaba ayudar pero también para mí misma, para tener esperanza en el futuro.
Quise hacer el dolor visible y mostrar mi identidad personal.
Personalmente, siempre he expuesto la belleza para contrastarla con el sentimiento de dolor como una forma de sentirme mejor. Este entrenamiento me ayuda a tener el control del dolor porque no me siento como una persona discapacitada y nunca he actuado como tal.
Hacer el dolor visible fue un poco siniestro porque la mayoría de las personas no lo sabían. Sin embargo, también fue un alivio hacer este dolor visible, combinándolo con la belleza.
Cuando miro ahora el trabajo veo objetos bellos y extraños cargados con la restricción misma del dolor pero también con la esperanza de un mundo de posibilidades.
SC!: ¿Qué materiales has usado?, ¿cómo ha sido el proceso manual?
AF: AF: Para crear las formas, hice diferentes modelos con alambre de gallinero y lo cubrí con un vendaje de yeso. Me coloqué contra esas formas en diferentes formas para hacer que mi dolor fuera a peor y también a mejor.
En verano, sentía menos dolor porque necesito llevar ropas menos pasadas, algo que siempre me ha limitado mucho. Así, esas esculturas eran más pequeñas y menos pesadas pero en invierno, el dolor se hacía peor y las piezas eran más grandes y pesadas.
Cuando las formas eran las correctas, las cubría con un barro a base de aceite y lo suavizaba con la calidez de mis dedos hasta conseguir la superficie deseada.
Para los objetos finales, quise usar dos componentes de bioresina y fibra de vidrio porque se secan y son duros ( quise que las esculturas fueran al mismo tiempo duras y suaves). Necesité hacer moldes para cada pieza con el objetivo de crear una réplica en otro material: bioresina. Elegí la bioresina porque es mucho mejor para el medioambiente pero también para mi trabajo, comparándola con la resina normal.
Crear el molde fue difícil y me llevó mucho tiempo así que tuve ayuda de profesionales para hacer mi trabajo dentro del plazo acordado.
Cuando los moldes y sus réplicas en bioresina estuvieron listos, comenzó el trabajo físico. Necesité lijar toda las piezas de resina para quitar todos los rasguños. Esto me llevó a mi, a mi madre y algunos estudiantes de primeros cursos, unas 4 semanas. Sin ellos, no habría sido posible.
Durante este periodo, los objetos se pintaron a spray en varias ocasiones para ver si la superficie era lo suficientemente suave o necesitaba más lijado.
Una vez que las superficies estuvieron suaves y pulidas, acudí a dos diferentes sprays de pinturas para mezclar y conseguir los perfectos tonos de piel para cada pieza.
Para conseguir ese aspecto corporal aún más, trabajé con moldes de cuero para algunas de las piezas. Esta técnica se usa en las monturas de los caballos.
Otra técnica que usé fue la de “plantar” pelo en silicona. Re-Borners usa esa técnica para darle apariencia de pelo real en muñecas. Experimenté con diferentes tipos de pelo y diferentes tipos de silicona y, al final, usé pelo humano teñido por mi propia peluquera.
SC!: ¿A dónde crees que se dirige el futuro de la moda?
AF: No creo que la gente pueda seguir en el camino en el que vamos. Vestirse se está convirtiendo en un chicle de usar y tirar y la mayoría de la calidad sólo es “social media quality”, es decir, buena con un filtro.
Durante mi máster, tuve la oportunidad de ser parte del Kering Empowering Imagination, lo que me trajo esperanza en el futuro de la moda. Kering es una gran empresa con marcas desde Stella Mccartney hasta Gucci bajo sus alas, y creo que ellos necesitan devolver algo al medioambiente.
Personalmente, creo que es maravilloso saber la historia detrás del producto, desde dónde vienen los materiales a las cincunstancias de las personas que lo trabajan.
SC!: ¿Piensas crear piezas “ponibles” en algún momento?
AF: Creo que, en alguna forma, todas mis piezas son piezas que se pueden llevar.
SC!: Tu próximo reto.
AF: Actualmente, trabajo en marcos abstractos para maniquís, para colgar las piezas en su posición correcta para las exhibiciones próximas. La primera es la del 30 de Junio en Maastricht y la London Design Week. También estoy ocupada diseñando mi propia exhibición en el departamento de dolor crónico de un hospital en Holanda pero no puedo decir mucho más al respecto.
SC!: Tu principal inspiración es…
AF: Todo lo relacionado con humanos. Sé que esto es muy amplio pero creo que las mentes de las personas, sus comportamientos, sus cuerpos… son muy inspiradores. Además, me inspiro de los materiales con los que experimento.
SC!: Tu sueño es…
AF: Ser parte de una exhibición en mi museo favorito “The Boijmans van Beuningen” en Rotterdam. Siempre ha sido un gran sueño. Pero la exhibición en la que estoy trabajando para el hospital, donde puedo inspirar a otros que han perdido la esperanza va a ser maravilloso también.
SC!: Cuentas de Instagram o webs que te gustan.
AF: Siempre ando buscando por Instagram pero no miro en los muros: Aniara Art, Honeylong, thingspowerthemselves, YKK London showroom, Zharkobasheski, etc, son cuentas que me gustan.
SC!: Tu lista de artistas favoritos son…
AF: Naomi Filmer, Jo Cope (lee su entrevista aquí), Gabriel Camelo, Jana Zornik, Berlinde de Bruyckere, Hans Belmer, Viktor&Rolf, Lucy McRae, Asger Carlsen.
SC!: No puedes vivir sin…
AF: Chicles de menta (Mentos) y tapones para los oídos.
Imágenes cortesía de Anne Fleur van der Vloed
Traducido por Anabel Cuervas
Layout por Michael Padilla
