El trabajo de Jo Cope es inquietante y bello. Usando la moda como “forma”, dota de contenido artístico y emocional a todo su trabajo.

Para Jo Cope, la moda puede y debe ser mucho más que ir vestido. Sus fashion artefacts nacen de un deseo de darle durabilidad a la moda, de convertirla en arte conceptual digno de ser expuesto en galerías, a modo de “terapia artística tridimensional”.

Hemos entrevistado a Jo Cope recientemente, y hemos disfrutado con cada una de sus reflexiones sobre las relaciones fluidas que mantiene la moda con el arte, o al revés, el arte con la moda.

SO CATCHY!: Dices que tu trabajo está situado en la delgada intersección entre las bellas arte y la artesanía. ¿Piensas que el mundo de la moda está preparado para entender tu trabajo?

JO COPE: Supongo que siempre estoy intentando sobrepasar los límites de la moda tanto como puedo, haciendo que sea coherente y relevante. Trato de proyectar un escenario que sea capaz de capturar las tendencias sociales y comprometerlas con las nuevas formas de hacer moda. Dicho esto, para mi es muy importante que la audiencia de la moda no se “desconecte” de lo que trato de decir. Puedo decir lo mismo al revés, es más importante para mi averiguar si el mundo del arte está preparado para entender mi trabajo en moda como arte. Este es mi principal objetivo.

SC!: ¿Por qué fashion artefacts?

JC: Mi percepción de un artefacto en relación con la moda describe el deseo de dar a la moda cierta longevidad o durabilidad, como un objeto que ha implicado artesanía, ejecución y con un pensamiento intelectual mayor. Mi objetivo en el máster fue aprender habilidades manuales para así poder crear trabajos más ambiciosos, que fueran ellos, hechos a mano y plenamente funcionales pero sin la necesidad de formas lógicas, al mismo tiempo. Un fashion artefact es de alguna forma ambiguo en su naturaleza, sin riendas en su interpretación… esto sentido de la libertad en la moda es muy importante para mí.

SC!: ¿Cómo definirías tu proceso creativo?

JC: Nunca he tenido una metodología fija. El proceso creativo siempre ha sido liderado por aquello que veo en mi mente. La imagen mental comienza con el desarrollo de las ideas en relación a las telas, materiales y procesos de fabricación.

Mi propio cuerpo crea el lugar para desarrollar y conectar con el trabajo. En el pasado, la mayoría de mi prototipado han sido estructuras de edificios en papel y maniquíes de cartones para extender la forma del cuerpo, al tiempo que mi propio cuerpo reacciona y personifica el proyecto íntimamente.

Más recientemente, empecé a trabajar con los pies, extendiendo sus parámetros usando la madera y esculpiendo materiales.

CS!: Hablemos sobre The Language of Feet in the Walk of Life. Cuéntanos su significado y por qué elegiste el calzado como forma.

JP: Los zapatos están en mi ADN. Me llevó un tiempo darme cuenta cuánto conecto con los zapatos, particularmente con el proceso de fabricación.

En un proyecto pasado, hice un cuerpo humano a escala en el que crucé los límites de los procesos de creación de calzado en 3D para tener una experiencia física más completa.

También me contrataron para hacer zapatos conceptuales en el pasado por el Boot and Shoe Museum en Northampton, pero entonces hice un acercamiento aún menos convencional porque no tenía las habilidades, lo que fue una buena cosa.

Quise invertir tiempo en pensar sobre el zapato y el pie, esa parte del cuerpo que nos da tanta información sobre el cuepo, pero también esa parte del cuerpo que nos da la posibilidad de movernos y nos conecta con la tierra. En muchas situaciones, he “leído” los pies de otras personas para entender más sobre ellos, pero también para entender mi relación con ellos. Los zapatos son objeto práctico, con parámetros de escala por razones obvias. Quise desafiar su función práctica para crear unos zapatos nuevos. Me considero rebelde y disfruté mucho ignorando su función principal. Esto, menudo, ha desencadenado muchos debates en el estudio sobre la definición de “calzado”.

El significado se mueve en la línea entre lo ambiguo y lo sugestivo. Todos los trabajos se materializaron desde la experiencia en la vida real y depende del observador decidir cómo de literal quiere tomarse lo títulos y los objetos. El trabajo habla del amor y las relaciones, y habla de nuestra conexión con los otros pero, finalmente, nuestro periplo por la vida y el entedimiento de uno mismo como seres individuales.

En la lucha que represento de la vida, los objetos actúan como forma de auto-terapia, podríamos llamarlos como material de exorcismo.

Los materiales y los procesos de fabricación están en algún lugar entre el pasado y el presente; la nueva tecnología se usó para escanear partes del cuerpo y, al mismo tiempo, esas partes fueron moldeadas físicamente con vendajes de yeso.

En los “twisted shoes”, el zapato final tuvo que ser manufacturado y a partir de otros viejos, en CAD. Hay aspectos de la impresión 3D y fresado, pero el reto principal fue crear formas de calzado extremas mientras que conservaba la estructura, materiales tradicionales, técnicas y procesos.

Los zapatos fueron un trabajo de amor y crearon constantes retos y adaptaciones. Uno de los principales retos fue conseguir que la madera encajara para dejar a la piel del zapato fijarse como normalmente se hace cuando trabajas a escala normal. La sangre y el sudor fueron ingredientes principales, y trabajé con técnicos de calzado muy cualificados con más de 30 años de experiencia. Resolvimos problemas juntos, y fue una maravilla estar en el departamento de zapatería y aprender habilidades en las que pueda progresar.

SC!: ¿A dónde crees que se dirige el futuro de la moda?

JC: La sostenbilidad y la moda ética son áreas clave. Acabo de trabajar con estudiantes de máster en textiles, punto y moda, y muchos de ellos, como futuros diseñadores, están buscando una causa aún mayor por la que luchar, particularmente en relación a los derechos humanos.

El uso ético de materiales y la educación de los consumidores se están convirtiendo en prioridad. La moda se acerca cada vez más al arte con un renovado sentido de libertad y creatividad. Hay mucho todavia por explorar en relación a la tecnología, la realidad virtual, la narrativa, la experiencia psicológica, la relación de la moda con el cuerpo y el espacio, dentro del mundo de la performance y más allá.

Algunas personas miran a la moda más allá que como simples objetos físicos; el trabajo de Adam Peacock, actual artista residente en LCF es muy interesante y me invitaron a uno de sus workshops que reunió a diseñadores y genetistas. La moda también se ve como una herramienta educacional que puede fortalecer y mejorar la vida de las personas como una terapia artística trimdimensional. Esta es una de mis áreas de interés.

SC!: ¿Tienes pensado crear piezas “wearable” en un futuro?

JC: Cuando me reuní con el diseñador y director creativo del YKK Showroom London, Kei Kagami, ayer, me preguntó lo mismo. Creo que la respuesta más simple es no. Estoy comprometida con mi carrera de artista que trabaja con la moda y el cuerpo. Me gustaría colaborar con una tienda conceptual para crear una colección limitada de zapatos. El tiempo es muy valioso en mi estudio y quiero focalizar mi trabajo en algo que me importe y, si surgen otras oportunidades, las consideraré pero no quiero centrarme en esta área tan pequeña del zapato comercial.

SC!: ¿Cuál es tu próximo paso?

JC: Estaré en Fashion Clash Maastricht, trabajaré con Virtual Shoe Museum en Budapest y Detroit, empezaré a idear una pieza de performance para el teatro Sadler´s Wells en Noviembre y me reuniré con gente para planear exhibiciones y proyectos en 2018/19, incluyendo una instalación en YKK Showroom London.

SC!: Tu principal inspiración es…

JC: Las experiencias de la vida y momentos diarios cargados de significado, y las relaciones y entendimiento de uno mismo y de los demás.

SC!: Tu gran sueño…

JC: Que una galería comercial me representara, exhibir en lugares imporantes y hacer una contribución importante en este mundo de la interesección entre moda y arte.

SC!: Cuentas de Instagram y páginas webs que te gusten.

JC: Las cuentas de instagram de las galerías de arte y museos son maravillosas porque sigues las exhibiciones en cada país: @walkerartcentre,

@offsite.concept.space. Instagram es una herramienta muy poderosa para conocer gente con la que trabajar. @virtualshoemuseum es un lugar estupendo para los zapatos conceptuales.

SC!: Tus artistas favoritos

JC: No tengo artistas favoritos pero hay mucho arte contemporáneo y conceptual que me encanta. Lo más importante es que lo conceptual y abstracto tiene la habilidad de estimular nuevos patrones de pensamiento y hace que mente trabaje.

Algunas veces, es el trabajo físico en sí mismo lo que me interesa y, otras, es el artista como persona.

Elenor Antin, Marina Abramovic, Cosey Fanni Tutti, Tracy Emin, Anthony Caro, Anish Kapour, Ai Wei Wei, Gutai group movement and conceptual art movement 60-70’s Steven Willats, Sol Lewitt. Oscar Schlemmer and Charles Bukowski son sólo unos pocos que me vienen a la mente.

SC!: No puedes vivir…

JC: Mí misma.

Imágenes cortesía de f Jo Cope

Traducido por Anabel Cuervas

Layout por Michael Padilla